Il Pestart bros Studio nasce nel 2020, nel pieno della pandemia globale, su iniziativa di Walter e Willi Pest. In un periodo segnato dall’isolamento, dall’incertezza e da una nuova percezione delle relazioni umane, i due artisti sviluppano un linguaggio visivo autonomo, figurativo e simbolicamente stratificato, capace di riflettere sulle dinamiche sociali contemporanee con lucidità e sensibilità.
Al centro della loro ricerca emerge il tema dello “sguardo attraverso la maschera”, che diventa una metafora potente di distanza, protezione, estraneità e al tempo stesso di nuova consapevolezza. Le loro opere esplorano la condizione di un mondo in disequilibrio, osservato con attenzione critica ma senza indulgere nel moralismo. Al contrario, il loro approccio unisce profondità concettuale, leggerezza visiva e una sottile ironia, creando immagini capaci di coinvolgere lo spettatore su più livelli.
La pratica del Pestart bros Studio si distingue per un equilibrio tra chiarezza formale e incisività concettuale, dando vita a un’arte contemporanea che sa essere al tempo stesso seria e accessibile, riflessiva e immediata. Il loro lavoro si configura come una testimonianza del presente, capace di trasformare un’esperienza collettiva di fragilità e trasformazione in un linguaggio visivo riconoscibile e profondamente attuale.
Che cosa significa per te l’arte?
Per me l’arte è libertà e autorealizzazione. La libertà di fare ciò che desidero veramente – dipingere. E l’autorealizzazione di realizzare esclusivamente temi che mi coinvolgono personalmente. Non lavoro su commissione, ma per impulso interiore. La mia arte non nasce dalle aspettative – ma dalla convinzione.
Come si è evoluto il tuo linguaggio visivo dalla fondazione di Pestart bros Studio nel 2020?
Dalla fondazione di Pestart bros Studio nel 2020, il mio linguaggio visivo è diventato più essenziale e preciso. Un tempo avevo bisogno di dieci pennellate per un dettaglio – oggi spesso ne basta una sola. Lavoro in modo più chiaro, più deciso e con maggiore fiducia nella forza del singolo momento. Meno gesto, più significato.
Il tema della maschera è nato come reazione alla pandemia? Oggi ha assunto nuovi significati o rappresenta ancora lo stesso simbolo originario?
La maschera è nata anche come reazione alla pandemia. All’inizio era un motivo giocoso – nato dal divertimento e da una certa fragilità. Ma è diventata presto qualcosa di più: un simbolo di protezione. Oggi la maschera rappresenta soprattutto una forma di distanza. Vogliamo dipingere – e allo stesso tempo proteggerci da un’eccessiva esposizione pubblica. Eppure il pittore ha bisogno del pubblico. È proprio in questa tensione che il motivo continua a muoversi ancora oggi. E ormai la maschera è diventata il nostro segno distintivo.
Come si sviluppa il tuo processo creativo in studio? Parti da un’idea concettuale o da un’immagine intuitiva?
Di solito parto da un pensiero o da un problema – non da un’immagine già definita. Porto questo tema con me in studio e sviluppo il motivo direttamente sulla tela. Quando, ad esempio, ho letto quanti uccelli i gatti uccidono realmente, è nato un contrasto: sono predatori – e allo stesso tempo sembrano così innocenti e dolci. Da questa tensione è nato il dipinto sweetKitten. Le mie opere quindi non nascono tanto da un concetto rigido, ma da una frizione mentale che si chiarisce nel processo pittorico.
Le tue opere uniscono ironia e riflessione critica: quanto è importante per te mantenere questo equilibrio senza cadere nel cinismo o nel moralismo?
Una buona dose di ironia – anche di cinismo – può certamente trovare spazio nei miei lavori. Entrambi affinano lo sguardo e aprono spazi di interpretazione. Ciò che invece desidero evitare è il moralismo. Naturalmente ho le mie convinzioni morali, ma non considero mio compito imporle agli altri. Le mie opere pongono domande, non danno istruzioni. L’interpretazione rimane allo spettatore.
Quali dinamiche sociali contemporanee ritieni oggi particolarmente urgenti da osservare e tradurre in immagini?
Guardo con particolare criticità al narcisismo sempre più crescente del nostro tempo. Per molti sembra contare solo il proprio Io. Questa fissazione sull’auto-rappresentazione e sull’auto-ottimizzazione la considero problematica – cambia il modo in cui ci relazioniamo gli uni agli altri. Allo stesso tempo ci sono numerosi altri campi di tensione sociale che mi interessano. Non mancano i temi. Al contrario: il presente offre più impulsi di quanti io riesca a tradurre in immagini.
Lo “sguardo attraverso la maschera” implica distanza ma anche protezione: ti senti più osservatore o parte integrante della realtà che descrivi?
Sono naturalmente parte integrante di questo mondo e di questo tempo. Non sto al di fuori – mi muovo nel mezzo. E, nei limiti delle mie possibilità, desidero anche contribuire a plasmarlo. Con le mie immagini posso rendere visibili i problemi, accentuarli, metterli in discussione – ma difficilmente posso risolverli. La maschera crea una certa distanza, ma è soprattutto protezione. Mi permette di essere parte della realtà e allo stesso tempo di osservarla in modo critico.
Ci sono artisti o movimenti che hanno influenzato la nascita del tuo linguaggio figurativo e simbolico?
Un chiaro NO. Forse Zorro… no, era uno scherzo.
Quanto è importante la narrazione rispetto all’immediata forza visiva nelle tue opere?
Per me l’impatto visivo è già narrazione. La mia scrittura sono le immagini. Con questo ritorno all’origine della scrittura – quando era ancora immagine. Non racconto oltre la pittura, racconto attraverso di essa. Sono un pittore che parla con le immagini.
Quando inizi un nuovo progetto, quanto spazio lasci all’imprevisto rispetto alle tue idee iniziali?
Molto. Può accadere che, nel mezzo del dipinto, cambi direzione. Il processo pittorico per me non è l’esecuzione rigida di un’idea, ma un dialogo aperto con la tela. Raramente sono completamente soddisfatto e dipingo spesso sopra ciò che ho fatto, se emerge spontaneamente una soluzione più forte. Tuttavia non perdo mai di vista l’idea di base. Rimane la mia bussola interiore – anche se il percorso per raggiungerla cambia.
Quale opera o serie ha segnato più chiaramente la tua identità artistica?
Non desidero evidenziare una singola opera o una serie specifica. La mia identità artistica non è il risultato di un momento isolato, ma di un processo continuo.
Traggo ispirazione da fonti molto diverse – dalla pittura, dalla fotografia, dalla scultura e dalla vita quotidiana stessa. La mia identità nasce da questa molteplicità, non da un’unica opera.
Come immagini l’evoluzione del tuo linguaggio artistico nei prossimi anni, sia a livello concettuale sia visivo?
Ogni giorno porta un’evoluzione – la mia visione del mondo cambia continuamente. Questo movimento si riflette inevitabilmente anche nel mio linguaggio visivo. Vorrei condensare in modo ancora più diretto e chiaro i miei sentimenti, le mie domande e i miei messaggi nelle mie opere. Se riuscirò anche solo in parte a farlo, sarò soddisfatto – anche se la vera soddisfazione per me non è uno stato finale. C’è sempre qualcosa da mettere in discussione, da affinare, da migliorare. Proprio lì risiede la spinta.
Se dovessi descrivere la tua ricerca con tre parole, quali sceglieresti?
Tensione, riduzione e posizione. Le mie opere nascono da contraddizioni interiori e sociali. A livello visivo cerco chiarezza e sintesi. E sul piano concettuale mi interessa una presa di posizione chiara – senza moralismi.
Descriviti in tre colori.
Il rosso rappresenta passione ed energia – la forza interiore che mi spinge a lavorare. Il blu rappresenta calma e serietà – concentrazione, chiarezza e responsabilità verso ciò che faccio. Il giallo rappresenta ottimismo e creatività – l’apertura a pensare il nuovo e a svilupparlo in modo giocoso. Questi tre colori formano per me un campo di tensione nel quale nasce il mio lavoro.
