conosciuto artisticamente come Linfame21, è un artista la cui ricerca si sviluppa attraverso una produzione caratterizzata da una forte varietà di linguaggi, forme e suggestioni. Il suo percorso emerge attraverso un portfolio nel quale convivono opere dai titoli evocativi come “Tre Marie”, “Solstizio”, “Run”, “Tormento”, “Viva la vita”, “Psiko”, “Colata 23”, “Triade”, “Omaggio”, “Stoccolma”, “Ring”, “Dittico Abstract”, “Decibel”, “Penelope” e “Icaro”. La sua attività artistica comprende anche lavori realizzati su commissione, esposizioni, collaborazioni e produzioni in edizione limitata, elementi che testimoniano una pratica orientata sia alla dimensione creativa sia alla relazione con il pubblico e con il mercato dell’arte.
Tra le esperienze documentate nel portfolio figura la collaborazione con Catawiki, avviata nel 2025, attraverso la quale sono state presentate e messe in vendita online opere destinate a collezionisti internazionali. Nel corso del 2025 risultano presentati e venduti 150 quadri. Un’altra esperienza significativa è rappresentata da “Catarsi”, mostra personale tenutasi tra il 2024 e il 2025 in provincia di Cuneo, occasione nella quale sono state vendute quattro opere.
Il portfolio documenta inoltre un’attività legata a esposizioni, presentazioni, opere su commissione e collaborazioni, delineando un percorso nel quale la produzione artistica si affianca alla partecipazione a differenti occasioni di incontro e confronto. Tra le esperienze indicate compare anche un riferimento a Los Angeles nell’ambito delle esposizioni e collaborazioni.
Gianluca Caliendo continua così a sviluppare il proprio percorso attraverso una ricerca artistica personale, affidata a opere e progetti differenti per soggetto e impostazione. Il nome Linfame21 identifica una produzione in costante evoluzione, sostenuta dalla volontà di presentare le proprie opere attraverso esposizioni, collaborazioni, commissioni e piattaforme dedicate al collezionismo.
Cos’è per te l’arte?
Per me l’arte è una necessità primordiale, un linguaggio viscerale che inizia dove le parole smettono di essere sufficienti. È un filtro attraverso cui decodifico il caos del mondo esterno e, soprattutto, quello che mi porto dentro. Non la vedo come una semplice ricerca estetica o decorativa, ma come una forma di veridicità assoluta: una finestra aperta sulla psiche, dove le vulnerabilità non vengono nascoste, ma messe a nudo e trasformate.
Come nasce Gianluca Caliendo come artista e da dove deriva la scelta del nome d’arte Linfame21?
Il mio percorso nasce dall’esigenza spontanea e quasi urgente di comunicare. Prima ancora che una professione o uno studio formale, la pittura è stata per me una forma di rinascita e autoterapia. Il nome Linfame21 ha una radice estremamente intima e profonda: “Linfame” nasce direttamente dalla mia battaglia contro il linfoma, una malattia che ho affrontato e superato. Ho voluto prendere un’esperienza drammatica, la sofferenza e la vulnerabilità di quel momento, e riappropriarmene attraverso il linguaggio dell’arte, trasformando un concetto legato al dolore in una forza creatrice e irriverente. Il numero 21 rappresenta l’anno (2021) in cui ho vissuto questa malattia e questo spartiacque fondamentale, segnando il momento esatto della mia trasformazione e della mia rinascita, sia personale che artistica.
Quali sono state le esperienze che hanno maggiormente influenzato il tuo percorso artistico e il tuo modo di esprimerti attraverso l’arte?
A plasmare la mia espressività sono stati soprattutto i momenti di rottura, le cadute e la necessità di rialzarsi. La vita quotidiana, con le sue contraddizioni, e l’impatto con la solitudine dell’atelier sono stati fondamentali. A livello visivo e concettuale, l’incontro con la street art, l’espressionismo astratto e la materia grezza mi ha insegnato a non aver paura dell’errore, ma a integrarlo nell’opera. Ogni cicatrice personale si è tradotta in una pennellata o in una stratificazione di colore.
Quali sono i temi, le emozioni e le suggestioni che tornano più spesso nella tua ricerca artistica?
La mia ricerca gravita attorno alla dualità dell’animo umano: Rabbia e delicatezza: la forza di un tratto d’impatto affiancata a sfumature più intime. Il tempo e il segno: il concetto di memoria, di ciò che resta e di ciò che si consuma. La ricerca d’identità: il senso di alienazione contemporaneo e la costante tensione verso una forma di guarigione o liberazione interiore.
“Alternative perfette imperfezioni” sembra suggerire una particolare attenzione verso il rapporto tra perfezione e imperfezione: che significato ha questo concetto nella tua arte?
In un mondo ossessionato dall’omologazione e dai canoni estetici impeccabili ma privi di anima, l’imperfezione è la vera forma di libertà. Per me “perfetta imperfezione” significa riconoscere la bellezza nella sbavatura, nella materia strappata, nell’errore calcolato. L’imperfezione è l’unica cosa che rende un’opera unica, viva e umana. Un’opera “perfetta” è sterile; un’opera imperfetta ha una storia da raccontare.
Quanto è importante per te il rapporto tra ciò che vivi personalmente e ciò che poi trasformi in un’opera?
È un legame totale, quasi simbiotico. Non riesco a dipingere in modo “distaccato” o concettuale a tavolino. Ciò che finisce sulla tela è la diretta conseguenza di ciò che ho attraversato, provato o metabolizzato durante la giornata o in un determinato periodo. Se non c’è un pezzo di me all’interno del quadro, percepisco la misura dell’opera come incompleta.
Nelle tue opere lasci spazio all’interpretazione personale di chi osserva oppure ritieni importante trasmettere un messaggio preciso?
Parto sempre da un’emozione o da un’intenzione molto precisa, ma una volta completata la tela, l’opera non mi appartiene più totalmente. Amo l’idea che chi la osserva possa trovarci la propria storia. L’arte funziona davvero quando diventa uno specchio: io do l’input iniziale, ma è lo spettatore a completare il quadro con la sua sensibilità e le sue esperienze.
La tua attività comprende opere su commissione, mostre, collaborazioni e limited edition: come cambia il tuo approccio creativo quando realizzi un’opera per un committente o un collezionista?
Quando lavoro a un’opera libera o per una mostra, il processo è totalmente istintivo e privo di paletti. Con le commissioni o i progetti speciali, l’approccio diventa un dialogo: cerco di entrare in empatia con il collezionista, capendo il suo mondo ed entrando in sintonia con la sua energia, ma senza mai snaturare la mia cifra stilistica. Non dipingo mai “su ordinazione” in senso freddo; trovo sempre il modo di far risuonare la mia identità all’interno delle esigenze del progetto.
La collaborazione con Catawiki e il confronto con collezionisti internazionali hanno rappresentato un passaggio importante: cosa ha significato per te questa esperienza?
È stato un acceleratore fondamentale. Confrontarsi con un pubblico internazionale ti costringe a uscire dalla tua “comfort zone” locale e a misurarti con un mercato dinamico ed esigente. Vedere le mie opere viaggiare verso collezioni private in Europa e nel mondo mi ha dato la conferma che il messaggio e il linguaggio visivo di Linfame21 sono universali e capaci di superare ogni barriera geografica e culturale.
“Catarsi”, la tua mostra personale in provincia di Cuneo, che cosa ha represented nel tuo percorso artistico?
”Catarsi” è stata una pietra miliare. Ha rappresentato la sintesi di un percorso di liberazione ed evoluzione. Portare quel corpo di opere in mostra è stato come chiudere un ciclo interiore di trasformazione e aprirne ufficialmente uno nuovo. È stato un momento di forte condivisione con il pubblico, in cui ho percepito chiaramente che la mia ricerca stava prendendo una forma matura, strutturata e profonda.
Guardando al futuro, quali sono i progetti e gli obiettivi che vorresti raggiungere con la tua arte?
Voglio continuare a spingere oltre i confini della mia ricerca materica e cromatica, sperimentando con nuovi supporti e installazioni di dimensioni sempre più ampie. Tra gli obiettivi principali ci sono l’espansione della mia presenza in gallerie internazionali, nuove collaborazioni con brand o realtà che condividono la mia visione anticonformista e, soprattutto, mantenere viva l’onestà intellettuale e artistica che guida il mio lavoro dal primo giorno.
Descriviti in tre colori.
Nero: la profondità, l’inconscio, la base da cui tutto emerge e la struttura che dà forza al resto. Rosso: la passione, la rabbia, l’urgenza espressiva e l’energia vitale. Bianco (grezzo): la luce che squarcia il buio, la catarsi, lo spazio aperto per le possibilità e il raddrizzamento delle imperfezioni.
