Nata in Romania nel 1985, manifesta fin da piccola una forte inclinazione per il disegno e la pittura. Dopo aver concluso gli studi, nel 2004 si trasferisce a Roma, dove avvia una collaborazione artistica presso lo studio del maestro Fausto Battelli, dando inizio a un percorso che la porterà a definire una propria identità espressiva.
Nel 2010 apre il suo studio nella capitale e sviluppa una ricerca inizialmente orientata verso un linguaggio astratto con una marcata componente espressionista. Le sue opere, realizzate prevalentemente in acrilico su tela, nascono da un gesto istintivo e dinamico, costruito attraverso l’uso di pennello e spatola. I contrasti cromatici e la forza del segno diventano strumenti per evocare l’energia della natura, il suo continuo mutamento e il rapporto profondo tra l’essere umano e l’ambiente che lo circonda, in una tensione costante tra caos e desiderio di equilibrio.
Nel 2018 tiene la sua prima mostra personale presso lo Spazio dedicato all’arte contemporanea di Campo Boario a Roma, a cui seguono esposizioni in ambito nazionale e internazionale, tra cui quella del 2024 alla Galleria Thuillier di Parigi. Negli ultimi anni le sue opere entrano in collezioni private in diversi paesi, tra cui Germania, Francia, Hong Kong e Giappone, segnando una crescente attenzione verso il suo lavoro.
A partire dal 2023, il suo percorso artistico evolve verso una sintesi più essenziale, orientata a una costruzione geometrica dello spazio visivo. Le composizioni si sviluppano attraverso forme ampie e prive di confini rigidi, in cui i colori si fondono creando equilibri visivi calibrati. Il bianco e il nero assumono un ruolo centrale come elementi di contrasto e profondità, mentre un unico colore intenso e luminoso interviene a definire lo spazio e a caricare l’opera di energia espressiva. Ogni tela si organizza attorno a un centro visivo e simbolico, punto di convergenza delle tensioni formali e narrative.
La sua pittura si configura come una riflessione sull’esistenza, sulla necessità di esprimere sé stessi e sul continuo dialogo tra opposti: limite e apertura, armonia e conflitto, individualità e fusione. In questo spazio pittorico sospeso, l’artista traduce il bisogno umano di lasciare traccia, di raccontare la propria storia attraverso un gesto che è insieme intimo e universale.
Parallelamente alla ricerca principale, Anca Todrican esplora anche l’astrazione materica, lavorando sulla superficie della tela attraverso stratificazioni, crepe e incisioni. La materia diventa così parte integrante dell’opera, accogliendo il gesto e il tempo, e trasformandosi in un campo di tensione ed equilibrio tra forza espressiva ed essenzialità formale.
Cos’è per te l’arte?
Per me l’arte è un modo per dire ciò che a volte le parole non riescono a raccontare.
È il mio spazio di libertà, dove posso trasformare emozioni, pensieri, silenzi e momenti vissuti in qualcosa di concreto.
Quando hai capito che la pittura sarebbe diventata il tuo linguaggio principale?
Fin da piccola ho sempre avuto una grande passione per il disegno e la pittura. Con il tempo ho capito che la pittura era ciò che amavo di più e che era il modo in cui riuscivo meglio a esprimere me stessa.
In che modo il trasferimento a Roma ha influenzato la tua identità artistica?
Trasferirmi dalla Romania in Italia, e in particolare a Roma, ha avuto una grande influenza sul mio percorso artistico. Roma mi ha avvicinata a una cultura e a una storia dell’arte molto ricche, permettendomi di scoprire nuovi stimoli e nuovi modi di guardare l’arte. Allo stesso tempo, questo cambiamento mi ha aiutata a conoscere meglio me stessa e a sviluppare, nel tempo, un linguaggio sempre più personale.
Cosa hai appreso dall’esperienza nello studio del maestro Fausto Battelli?
È stata un’esperienza molto importante per la mia crescita, perché mi ha insegnato a conoscere meglio i materiali, a osservare con maggiore attenzione la realtà e a lavorare sulla luce, sullo spazio e sulla composizione. Ma soprattutto ho imparato il valore della pazienza, della disciplina e dell’esercizio, elementi che mi hanno aiutata a sviluppare nel tempo un linguaggio sempre più personale.
Come nasce il tuo primo approccio all’astrazione e cosa ti ha spinto verso una cifra espressionista?
Il mio approccio all’astrazione è nato dal desiderio di andare oltre la semplice rappresentazione della realtà e di esprimere ciò che sentivo attraverso il colore e il gesto. Mi sono avvicinata cosi a un linguaggio più libero e istintivo, nel quale il colore, la materia e il movimento diventano strumenti per raccontare emozioni ed esperienze. È stato un percorso naturale, che mi ha portata verso una pittura fortemente espressiva e sempre più personale.
Che ruolo ha il gesto nella costruzione delle tue opere?
È il momento in cui emozione, energia e materia si incontrano sulla tela. Spesso parto da un gesto spontaneo e lascio che sia la pittura stessa a suggerirmi il passo successivo. Il gesto mi permette di dare movimento e carattere all’opera, trasformando quello che sento in qualcosa di visibile e concreto.
In che modo la natura entra nel tuo processo creativo e nel significato dei tuoi lavori?
La natura è una presenza importante nel mio processo creativo. Mi ispira con i suoi cambiamenti, i suoi colori e la sua energia. Non cerco di rappresentarla in modo realistico, ma di esprimere le sensazioni che mi trasmette attraverso il gesto, la materia e il colore.
Cosa rappresenta per te il contrasto tra caos ed equilibrio?
Il caos e l’equilibrio fanno parte della vita e anche del mio modo di essere. Spesso parto da una situazione di libertà e di energia, lasciando che il gesto prenda il sopravvento, per poi cercare lentamente un punto di equilibrio. È proprio in questo contrasto che sento di trovare la mia espressione.
Come è cambiato il tuo linguaggio artistico con la svolta geometrica intrapresa dal 2023?
Dal 2023 ho sentito il bisogno di rallentare e di cercare maggiore ordine nella mia pittura. Dopo anni in cui il gesto e l’energia erano protagonisti, ho iniziato a concentrarmi di più sulle forme, sullo spazio e sull’equilibrio tra i colori. Non è stato un cambiamento improvviso, ma un’evoluzione naturale del mio modo di sentire e di esprimermi.
Qual è il significato dell’uso dominante del bianco e del nero nelle tue opere più recenti?
Nel bianco e nel nero riconosco una parte molto intima del mio modo di sentire. Per me rappresentano la quiete, il silenzio e una forma di equilibrio interiore. Mi piace il loro rapporto essenziale, perché mi permette di lasciare più spazio alle forme e a quel colore che diventa più intenso.
Che funzione ha il colore intenso che inserisci come elemento unico all’interno delle composizioni?
Quel colore rappresenta per me un punto di energia. Dopo la quiete del bianco e del nero, emerge come un’emozione improvvisa, capace di dare vita e movimento all’opera. Mi piace che sia uno solo, perché così acquista ancora più forza e diventa il punto in cui lo sguardo si ferma.
Cosa cerchi di trasmettere attraverso il centro visivo delle tue opere?
Nel centro visivo cerco di concentrare l’energia dell’opera. È il punto in cui vorrei che lo sguardo si fermasse e che lo spettatore potesse sentire qualcosa, anche senza sapere esattamente cosa. Per me è il cuore del dipinto, dove quiete e potenza si incontrano.
In che modo l’astrazione materica arricchisce il tuo percorso artistico?
Nella materia ritrovo una parte molto istintiva del mio modo di dipingere. Mi piace lavorarla, segnarla e lasciarle delle tracce, perché ogni strato racconta un passaggio. Per me la materia dà corpo alle emozioni e rende ogni opera unica, proprio come lo è il percorso che la porta a nascere.
Qual è il rapporto tra materia, tempo e memoria nelle tue tele?
Nelle mie tele la materia conserva le tracce del tempo, proprio come la memoria conserva le tracce delle nostre esperienze. Stratificazioni, segni e imperfezioni rimangono sulla superficie e raccontano il percorso dell’opera. Per me dipingere è anche lasciare una traccia di ciò che ho vissuto e sentito.
Come vivi il dialogo tra forza espressiva ed equilibrio formale?
È un equilibrio che cerco anche dentro di me. Mi lascio guidare dalla forza del gesto e del colore, ma poi sento il bisogno di riportare tutto verso un ordine e una quiete. La mia pittura nasce proprio da questo continuo incontro tra energia e armonia.
Guardando al tuo percorso, quale direzione senti oggi più vicina alla tua ricerca futura?
Guardando al mio percorso, sento che la ricerca che mi è più vicina in questo momento è quella legata all’astrazione materica. Nella materia trovo qualcosa di molto istintivo e autentico: mi piace stratificarla, graffiarla, lasciarla emergere e trasformarsi. Le crepe e i segni diventano tracce di un percorso, quasi come se la tela potesse conservare ciò che ho vissuto e sentito. È una direzione nella quale mi riconosco e che sento ancora molto da esplorare.
