Skorpio

Francesco Tomaino, in arte Skorpio, è un cantautore pop/rock che costruisce il proprio percorso artistico attorno alla forza espressiva della parola e del suono, intesi come strumenti consapevoli e incisivi. La sua scrittura si distingue per uno sguardo lucido, diretto e privo di filtri, capace di raccontare le contraddizioni del presente attraverso un linguaggio che alterna immediatezza melodica e profondità emotiva.

Attento e pungente, spesso attraversato da una tensione interiore che si traduce in ribellione e introspezione, Skorpio dà voce a inquietudini personali, rabbia generazionale e desiderio di riscatto, trasformando ogni brano in un atto di espressione autentica. Il suo stile nasce dall’incontro tra pop e rock, in un equilibrio dinamico in cui energia e fragilità convivono, dando forma a una narrazione intensa e riconoscibile.

Per lui la musica rappresenta molto più di un semplice intrattenimento: è un mezzo necessario per scuotere, comunicare e lasciare un segno. Sul palco come in studio, Francesco Tomaino porta avanti un progetto viscerale e coerente, fedele a una visione in cui la fragilità si trasforma in forza e la ribellione diventa una forma di verità.

Cos’è per te la musica?

Per me la musica è prima di tutto un’urgenza, una necessità biologica prima che artistica. È il posto in cui metto tutto quello che non riesco a dire nella vita di tutti i giorni. Se la vita reale a volte è fatta di compromessi e silenzi, la musica è l’unico spazio in cui posso permettermi di essere completamente onesto, spogliato di tutto. È un modo per dare una forma e un nome alle cose che provo, così da non sentirmi l’unico a provarle.

Quando hai capito che la musica poteva diventare il tuo modo più autentico per esprimere ciò che provi?

L’ho capito quando ho smesso di cercare di scrivere per piacere agli altri o per seguire una formula. Quando ho iniziato a scrivere solo per il bisogno di svuotare il cuore e la testa. Nella vita di tutti i giorni siamo costretti a indossare maschere, a essere misurati, a filtrare le emozioni. Nella musica, invece, non ci sono sconti: o sei sincero o non suona vero. Quando ho sentito quella libertà per la prima volta, ho capito che non sarei più potuto tornare indietro.

Quanto c’è di personale nei tuoi testi e quanto invece nasce dall’osservazione della realtà che ti circonda?

C’è una percentuale altissima di personale, anche quando parlo apparentemente d’altro. Per me la realtà che mi circonda è solo la miccia, lo stimolo visivo o sonoro: un dettaglio visto alla fermata dell’autobus, una conversazione rubata al bar o una notizia al telegiornale. Però, nel momento in cui quella cosa entra dentro di me, viene filtrata dal mio vissuto, dalle mie paure e dai miei entusiasmi. Alla fine, anche quando racconto una storia che non mi è successa direttamente, sto comunque parlando di come io la filtro emotivamente.

Cosa significa per te “fare rumore” in un panorama musicale spesso orientato al consenso?

Il consenso è rassicurante, ma spesso è volatile: dura il tempo di una stagione o di una tendenza social. Fare rumore, per come la intendo io, non significa urlare o fare polemica gratuita, ma lasciare un segno che scavi in profondità. È quando una canzone ti entra dentro e ti costringe a fare i conti con quello che provi, anche se ti dà fastidio o ti smuove le certezze. Preferisco una canzone che divide, che fa discutere o che fa piangere, a un pezzo che piace a tutti ma che non ti lascia niente un minuto dopo che è finito. È il coraggio di essere imperfetti, di stonare se serve, di dire una verità scomoda o di portare una canzone che non segue le regole del mercato. Significa scegliere il rischio dell’incomprensione piuttosto che la comfort zone del consenso facile.

In che modo riesci a bilanciare l’immediatezza del pop con l’energia e la tensione del rock?

Per me è un equilibrio naturale, ma di tensioni contrapposte. Il pop è la luce, la ricerca di una comunicazione diretta con le persone; il rock è l’ombra, il peso specifico delle cose, il rumore dei pensieri prima di addormentarsi. Quando scrivo, cerco sempre quel punto in cui la canzone balla sul bordo: orecchiabile abbastanza da fartela ricordare tutto il giorno, ma abbastanza tagliente e tesa da farti venire i brividi quando arrivano gli strumenti.

Qual è l’emozione o il messaggio che senti più urgente da comunicare in questo momento del tuo percorso?

In questo momento sento il bisogno di levare i filtri. Viviamo in un’epoca in cui sembra che dobbiamo sempre dimostrare qualcosa, correre, essere performanti e perfetti. Il messaggio che voglio mandare con la mia musica adesso è: va bene anche se le cose non vanno, va bene fermarsi, va bene fare i conti con le proprie crepe. Sento il bisogno di dire che la vulnerabilità non è una debolezza, ma il posto più coraggioso in cui si possa stare. Rispetto ai miei inizi, oggi ho molta meno paura di sbagliare o di non piacere a tutti i costi. Il messaggio di questo mio nuovo capitolo è la libertà: la libertà di cambiare idea, di sporcarsi le mani, di unire la leggerezza del pop alla potenza viscerale del rock senza dover rendere conto a nessuna etichetta mentale. Voglio che la mia musica sia uno spazio di totale libertà, per me e per chi la ascolta.

Come nasce una tua canzone: parti prima dalle parole o dal suono?

Non c’è una regola fissa, ma il più delle volte è un cortocircuito. Suono e parole nascono insieme, quasi stratificandosi. A volte mi metto a cantare sillabe senza senso su un giro di accordi e, in mezzo a quel farfugliare, spunta fuori una parola chiave che sblocca tutto il pezzo. È un processo molto istintivo: lascio che le cose si formino da sole e poi le vado a cesellare dopo.

Quanto è importante per te il palco rispetto al lavoro in studio?

Lo studio è il laboratorio, il luogo dove si cesella, si sperimenta e ci si mette a nudo davanti a un foglio bianco. Ma il palco è il momento della verità. È lì che le canzoni smettono di appartenermi e iniziano a vivere davvero, grazie all’energia di chi le ascolta. In studio crei la scintilla, ma dal vivo si scatena l’incendio. C’è una catarsi collettiva nel suonare live che non si può replicare da nessun’altra parte.

La rabbia generazionale di cui parli nei tuoi brani è qualcosa che senti ancora oggi in evoluzione?

Assolutamente sì, ma è cambiata la sua forma. All’inizio era una rabbia più cieca, uno scatto d’istinto contro tutto quello che non andava, un modo per urlare la propria frustrazione di fronte a un futuro che sembrava un vicolo cieco. Oggi quella rabbia si è evoluta, è diventata più lucida, meno urlata ma forse più tagliente. Non è più solo il rifiuto di quello che non va, ma la spinta a costruire un’alternativa, a mettere nero su bianco una direzione. È diventata consapevolezza. Si è evoluta in qualcosa che assomiglia più a un’insofferenza lucida verso le ipocrisie. Oggi vedo una generazione intrappolata in una specie di apnea perenne, costretta a correre senza una meta reale. La rabbia che porto nei pezzi non è un capriccio o una posa: è il rifiuto della rassegnazione. Finché ci sarà qualcuno che cerca di anestetizzare i sentimenti o di farci credere che le cose non possono cambiare, quella miccia resterà accesa.

Cosa ti spinge a non cercare il consenso ma a restare fedele alla tua visione artistica?

Il consenso immediato è una scorciatoia pericolosa: brucia tutto subito e ti lascia senza carburante il giorno dopo. Quello che mi spinge a restare fedele alla mia visione è il desiderio di costruire qualcosa che duri, un percorso che abbia senso anche tra dieci anni. Se rincorrendo il trend del momento perdi la tua voce, quando quel trend svanisce non ti rimane più niente. La coerenza è l’unica vera assicurazione sulla vita per un artista.

Qual è la più grande sfida che hai affrontato finora nel tuo percorso come Skorpio?

All’inizio è stato trovare la quadra esatta tra le mie due anime, quella pop e quella rock, senza che una soffocasse l’altra. Portare avanti un progetto che rifiuta le etichette facili ti mette in una terra di mezzo in cui rischi di non essere capito da nessuno. La sfida più grande è stata forgiare un’identità forte e riconoscibile, fare in modo che quel nome – Skorpio – non fosse solo un’etichetta, ma un manifesto vivente di unione tra melodia e tensione viscerale. Quando fai musica viscerale, che non cerca il consenso facile, ci sono momenti in cui ti chiedi chi te lo faccia fare. Rimanere concentrati sulla propria urgenza espressiva quando il mercato sembra urlare tutt’altro è una prova di resistenza pazzesca. È lì che capisci se quello che fai è un capriccio o una necessità.

Descriviti in tre parole.

Consapevole, spigoloso, libero.